인간 예술가의 정체성을 지키기 위한 AI 동반 모델

dohaii040603 2025. 6. 22. 02:42

1. 창작 도구로서의 AI: 예술가의 조력자로 출발하다

AI는 예술의 현장에서 점차 보조적 역할에서 중심적인 도구로 진화하고 있다. 그림을 그리는 AI, 작곡을 하는 알고리즘, 문학을 생성하는 언어 모델 등은 이미 대중화 단계에 들어섰으며, 그 결과 인간 예술가와 인공지능의 경계는 점점 흐려지고 있다. 그러나 이 같은 흐름 속에서도 AI는 여전히 “도구”로 남아야 한다는 주장이 강력하게 제기되고 있다. 그 이유는 창작의 본질이 인간의 내면에서 비롯된 ‘경험의 축적과 해석’에 뿌리를 두고 있기 때문이다.

AI는 인간처럼 고통을 느끼거나 세상을 주체적으로 인식하지 않는다. 그렇기에 AI가 생성한 작품은 외양적으로는 창의적일 수 있으나, 인간의 복합적인 감정, 문화적 맥락, 역사적 해석을 완벽하게 담아내기엔 한계가 있다. 이러한 점에서 AI는 단순한 창작자가 아닌 인간 예술가의 표현을 돕는 **“창작 파트너”**의 위치에 있어야 한다. 이를 위해선 AI 시스템이 예술가의 스타일, 감성, 창작 철학을 학습하고 이를 존중하는 방향으로 설계되어야 한다. 특히 회화, 음악, 디자인 등 각 예술 장르에 맞춘 ‘AI 커스터마이징 모델’이 필요하다.

예를 들어, 디자이너가 입력한 키워드에 따라 생성되는 AI 이미지는 그 자체로는 완성된 창작물이 아닐 수 있다. 그러나 인간 디자이너가 그 결과물 중 자신만의 미감에 맞는 요소를 선택하고, 편집하고, 재해석하는 과정을 통해 AI는 ‘도구’에서 ‘동반자’로의 위치를 점하게 된다. 이처럼 인간 중심형 AI 예술 도구는 예술가의 정체성을 지키는 데 있어 가장 기초적인 단계이자, 향후 AI와 공존할 수 있는 모델의 기초가 된다.

2. ‘AI 공동 창작’의 개념: 주체성과 소유권의 균형

AI를 단순한 도구로 간주할 수 없을 만큼 능력이 고도화되면서 ‘AI 공동 창작’이라는 개념이 등장했다. 이는 인간 예술가와 AI가 함께 창작의 결과물을 만들어내는 과정으로, 협업적이고 상호작용적인 흐름을 지향한다. 하지만 여기서 가장 논쟁적인 주제가 바로 창작의 주체는 누구인가 하는 물음이다. 인간의 창작물은 그 경험, 교육, 문화의 산물이지만, AI는 데이터셋과 알고리즘의 연산을 기반으로 한다. 그러므로 공동 창작이라는 개념 속에서도 인간의 ‘창작 철학’과 ‘최종 의사결정권’이 중심이 되어야 한다.

현재 일부 예술가들은 AI를 ‘창작의 연장선’이자 ‘영감의 유도자’로 활용하고 있으며, 이러한 사례는 특히 현대미술, 설치미술, 인터랙티브 아트에서 두드러진다. 예를 들어, 일본의 디지털 아티스트 ‘이노우에 요시토모’는 AI가 제안하는 색조 조합을 바탕으로 인간만이 할 수 있는 브러시 터치를 결합해 자신만의 화풍을 지속적으로 진화시키고 있다. 이 경우 AI는 스스로의 창작물이 아닌 인간의 창작 행위를 자극하는 조력자로 기능하며, 예술의 주체는 여전히 인간에게 있다.

이를 제도적으로도 보완하려는 움직임이 있다. 유럽연합은 AI 창작물의 저작권에 대해 인간 기여도의 명확한 기준을 제시하고, AI에 의한 창작물의 저작권은 인간과의 협업이 분명할 때에만 부여하는 방향으로 논의를 이어가고 있다. 즉, AI의 ‘창작적 기여’는 인간의 창작적 선택이 기반이 될 때에만 유효하다는 것이다. 이는 예술가의 정체성을 보호하고, 창작의 본질을 흐리지 않기 위한 매우 중요한 윤리적 기준이 된다.

3. 인간 감성 중심의 AI 학습: 정체성 보존의 핵심

AI가 인간 예술가의 조력자로 자리매김하기 위해선, 감성적 데이터에 대한 학습과 해석 능력이 결정적이다. 현재 AI는 시각적 패턴이나 음의 조합, 문법적 문장 구성은 훌륭히 수행하지만, 인간이 경험하는 감정의 미묘한 결을 이해하고 표현하는 데에는 분명한 한계를 갖고 있다. 이러한 차이를 좁히기 위해 최근 연구에서는 ‘감성 중심의 데이터셋 구축’이 활발히 이루어지고 있다. 감성 기반 AI는 단순히 이미지의 유사성을 넘어서, 어떤 감정 상태에서 생성된 이미지인지를 해석하는 데 초점을 둔다.

예술은 흔히 상처, 갈등, 치유, 추억 등 인간의 깊은 감정에서 비롯되며, 그 표현은 직관적이고 개인적이다. 따라서 AI가 인간 예술가의 창작을 제대로 보조하려면, 특정한 감정을 중심으로 학습하고 이를 반영할 수 있어야 한다. 예컨대, 음악 생성 AI가 단순한 코드 구조가 아닌 ‘상실감’을 주제로 학습할 수 있다면, 더 섬세하고 인간적인 결과물이 가능해질 것이다. 이런 접근은 AI의 ‘감성공감 능력’을 끌어올려 인간 예술가와의 협업에서 더 의미 있는 결과를 창출할 수 있게 해준다.

또한, 인간 예술가의 스타일, 주제 선호, 미감 코드를 학습한 AI는 단순한 자동화 알고리즘을 넘어 정체성을 보존하고 반영하는 창작 파트너로 진화할 수 있다. 예를 들어, 한 사진작가가 장기간 작업해온 주제(예: 도시의 고독, 빛의 흐름)를 AI에게 학습시킨다면, AI는 무한한 실험적 제안을 통해 예술가의 표현력을 확장시키되, 작가 고유의 색을 유지하는 데 기여하게 된다. 이처럼 감성 중심형 AI는 단순히 효율성을 넘어서 창작의 ‘결’을 보존하는 결정적 역할을 하게 된다.

4. AI와 인간 예술가의 공존: 지속 가능한 창작 생태계 만들기

예술 생태계에서 AI와 인간이 공존하는 미래는 더 이상 상상이 아닌 현실이다. 하지만 그 공존이 지속가능하기 위해서는 제도적, 기술적, 문화적 장치가 함께 마련되어야 한다. 첫째, 교육 현장에서는 예술가가 AI 도구를 활용할 수 있는 디지털 감수성 교육이 필수적으로 이루어져야 한다. 이를 통해 예술가들은 AI를 두려워하거나 피하지 않고, 자신의 창작 세계에 통합할 수 있는 능력을 갖추게 된다.

둘째, 기술 기업과 플랫폼은 예술가의 권리를 보장하는 알고리즘 구조를 갖추어야 한다. 특히 AI 모델이 학습하는 데이터셋은 반드시 정당한 라이선스, 저작권 보호, 창작자 표기가 보장된 콘텐츠로 구성되어야 하며, 그 과정에서 예술가의 ‘작업 이력’이나 ‘스타일 시그니처’가 무단으로 복제되지 않도록 해야 한다. 현재 일부 AI 생성 서비스가 기존 작가의 작품을 무단으로 활용해 문제가 되고 있는 만큼, 데이터 윤리와 학습 투명성 확보는 가장 시급한 과제다.

셋째, 문화예술 산업 내에서는 AI와 인간의 협업을 장려하는 공모전, 전시, 레지던시 프로그램 등이 활성화되어야 한다. 이러한 프로그램을 통해 AI는 예술의 파괴자가 아닌 예술적 실험의 촉진자로 자리매김할 수 있다. 실제로 프랑스, 독일, 한국 등에서는 ‘AI 예술 레지던시’가 운영되며, 예술가들이 AI와 함께 작업을 하면서 창작의 새로운 지평을 넓히고 있다.

결론적으로, 인간 예술가의 정체성을 지키면서도 AI의 창조적 역량을 극대화하는 길은 ‘경쟁’이 아닌 상호 보완적 협력 모델에 있다. 창작의 자유, 감성, 스타일, 표현의 독창성은 오롯이 인간만이 가질 수 있는 것이며, AI는 그것을 확장시켜주는 매개체로 작동할 때 가장 큰 가치를 발휘한다. 결국, 우리는 AI와 함께 예술의 미래를 새롭게 써 내려갈 준비를 지금 해야 한다.