AI의 창작물이 예술로 인정받을 수 있는가?

1. 예술의 정의와 AI 창작의 등장

예술이란 무엇인가? 이 질문은 인류 문명과 함께 수천 년간 이어져 온 철학적 물음이다. 고대에는 신과 인간의 연결을 표현하는 수단으로 여겨졌고, 르네상스 이후로는 인간의 창조성, 감정, 철학, 관점을 시각적으로 구현하는 활동으로 확립되었다. 그러나 21세기 들어 인공지능(AI)이 시, 음악, 회화, 소설, 건축, 디자인에 이르기까지 창작 영역으로 진입하면서, 기존의 예술 정의는 그 경계를 시험받고 있다.

AI 창작물의 등장은 단순한 기술적 진보를 넘어, **‘창작의 주체가 반드시 인간이어야 하는가’**라는 근본적인 문제를 제기한다. 2018년, 프랑스의 한 경매에서 AI가 만든 초상화 ‘에드몽 드 벨라미’가 약 5억 원에 낙찰되며 충격을 안겼고, 이후 AI는 다양한 창작 영역에서 활약하기 시작했다. 음악에서는 OpenAI의 MuseNet이, 미술에서는 DALL·E나 Midjourney가, 문학에서는 GPT 계열이 인간과 유사한 시와 소설을 생성하고 있다.

이러한 기술은 수천만 개의 데이터셋을 학습해 특정 스타일, 구조, 감성까지 모방하며 창작물을 생산한다. AI는 “표현하고자 하는 목적”이 없는 대신, 입력값(프롬프트)과 알고리즘적 학습을 기반으로 한 결과물로 응답한다. 이는 인간의 직관, 경험, 감정이라는 요소와 달리, 통계적 확률과 패턴 인식에 기반한 창작이라는 점에서 근본적 차이가 있다.

하지만 이러한 차이가 반드시 예술성을 부정하는 근거가 될 수 있을까? 인간이 감동을 받았다는 사실 자체가 예술의 기준이 된다면, AI가 만들어낸 콘텐츠도 감동과 성찰을 일으킨다면 그것은 예술이 아닐까? 이제 우리는 예술을 기술과 인간의 협업 결과로 새롭게 정의할 필요가 있는 시대에 진입했다.

2. 창작 주체성과 예술적 의도의 딜레마

AI 창작물이 예술로 인정받을 수 있는지를 판단하려면, **예술의 구성 요소인 ‘창작자’, ‘의도’, ‘감정’, ‘표현’**의 기준을 점검해야 한다. 기존 예술론은 창작자의 내면 세계, 사회적 메시지, 미적 감성, 시대적 맥락 등이 예술성을 결정짓는 핵심 요소라고 보았다. 하지만 AI는 감정도, 의도도, 사회적 목적도 없다. 이 점은 AI가 예술가로 인정받기 어려운 가장 중요한 이유로 꼽힌다.

철학자 톨스토이는 예술을 “감정의 감염”이라 보았다. 즉, 창작자가 느낀 감정을 타인에게 전달하여 감정을 공유시키는 것이 예술이라는 것이다. 이 기준에 따르면 AI는 감정을 느끼지도, 타인에게 전달하려는 의도도 없기 때문에 예술가로 인정되기 어렵다. 또한 독일의 예술학자 가다머(Hans-Georg Gadamer)는 예술은 인간 경험의 해석이며, 이해를 통한 의미 생성이 필수라고 보았다. 이에 따르면 AI의 생성물은 ‘이해’보다는 ‘재현’에 가까운 결과물이다.

반면, 20세기 중후반 이후 예술계에서는 개념미술(Conceptual Art), 행위예술(Performance Art) 등 작품 자체보다 ‘아이디어’와 ‘맥락’이 중요하다는 관점이 확산되었다. 예를 들어 마르셀 뒤샹의 변기 작품 ‘샘’은 미적 가치보다 “이것도 예술인가?”라는 질문을 던짐으로써 예술계에 새로운 논의를 불러왔다. 이와 유사하게 AI가 생성한 결과물도 단순히 기계가 만든 결과물 이상으로, ‘기계가 인간처럼 창작할 수 있는가’라는 철학적 물음을 품은 메타 메시지를 전달한다.

또한 AI는 단독으로 존재하지 않는다. 프롬프트를 입력하고, 데이터를 선택하며, 결과물을 편집하고 맥락을 부여하는 ‘기획자’ 혹은 ‘사용자’가 실질적인 창작 주체로 작용하기도 한다. 이는 현대 예술에서 점점 중요해지는 협업, 공동 창작 개념과 일맥상통하며, 결국 예술성이 AI에게 있는가, 아니면 인간에게 귀속되는가 하는 논쟁으로 이어진다.

따라서 AI의 창작물이 예술로 인정받기 위해서는 기술 자체가 아닌, 그 기술을 어떻게 사용하고, 어떤 의도로 작품을 구성했는가에 대한 해석이 병행되어야 하며, 그 해석을 가능케 하는 인간의 참여가 여전히 중요하다.

3. AI 창작물의 사회적 수용과 법적·윤리적 쟁점

AI 창작물이 사회적으로 ‘예술’로 수용되고 있는가에 대한 질문은 점차 긍정적으로 변하고 있다. 앞서 언급한 AI 초상화 경매 외에도, AI가 만든 클래식 작곡, 시, 영화 시나리오, 심지어 연극 무대까지 실제 상업적으로 소비되고 있다. 사람들은 처음에는 호기심으로 시작해 점차 그 품질에 감탄하고, 감성적으로 반응하며, 그 창작물을 ‘작품’으로 받아들이는 추세다.

하지만 AI 창작물의 예술성 인정과는 별도로, 저작권 및 법적 권리 문제는 여전히 뜨거운 감자다. 현재 많은 국가에서 AI가 만든 결과물은 법적으로 ‘저작물’로 보호받기 어렵다. 왜냐하면 현행 저작권법은 ‘인간의 창작 행위’를 보호 대상으로 삼고 있기 때문이다. 예를 들어 미국 저작권청은 AI가 단독으로 만든 이미지에 대해 저작권 등록을 거부한 바 있다.

이런 법적 공백은 다양한 사회적 갈등으로 이어지고 있다. 예를 들어, 어떤 AI 아트워크가 유명 화가의 작품 스타일을 학습해 생성된 경우, 원작자 혹은 그 유족은 저작권 침해를 주장할 수 있는가? 또는, 기업이 AI로 생성한 광고 이미지나 슬로건을 상업적으로 이용했을 때, 창작 행위에 참여하지 않은 사용자가 그 이익을 독점하는 것이 정당한가? 등 **‘AI 창작물의 권리 귀속과 윤리적 책임’**이라는 복잡한 문제가 존재한다.

또한 AI 창작물은 때로 기존 창작자들의 생계 기반을 위협한다는 비판도 받는다. 실제로 일부 일러스트레이터와 음악가는 자신들의 작품이 무단으로 AI 학습에 사용되었다고 주장하며, AI의 창작은 표절에 가깝다는 입장을 견지한다. 이는 단순한 기술 발전 문제가 아니라, 문화 생산 생태계의 구조적 재편이라는 근본적 이슈와 연결된다.

결국 AI가 만들어내는 콘텐츠의 예술성 인정 여부와는 별개로, 누가 창작자인가, 누가 책임을 지고, 누가 소유권을 가질 것인가에 대한 새로운 제도적, 윤리적 틀 마련이 반드시 필요하다. 그래야만 AI 창작물이 사회적으로도 지속 가능한 예술 형태로 정착할 수 있을 것이다.

4. 예술의 진화 – 인간과 AI의 공동 창작 시대를 향하여

AI 창작물의 예술성 논쟁은 단순히 기술의 문제가 아니다. 그것은 예술이란 무엇인가, 예술가는 누구인가, 감동은 어디서 오는가에 대한 인문학적 질문이다. 지금 우리는 ‘예술의 정의’ 자체가 유연해지고, 기술과 인간이 공존하며 창작의 방식이 다변화되는 전환기에 있다.

예술은 항상 변화해왔다. 인쇄술은 미술을 대중화시켰고, 사진은 회화의 본질을 바꾸었다. 컴퓨터 그래픽은 새로운 시각언어를 창출했고, 디지털 기술은 예술의 경계를 무너뜨렸다. AI는 그 연장선상에서 인간의 창의성과 감성을 더욱 자극하고 확장시키는 도구로 작동할 수 있다.

이미 AI는 창작 도구로서 널리 활용되고 있다. 영화 산업에서는 AI가 시나리오 구조나 캐릭터 감정 흐름을 분석해 작가의 창작을 돕고, 디자인 업계에서는 AI가 색상 조합이나 공간 배치를 제안해 디자이너의 상상력을 보완한다. 음악 분야에서도 AI가 만든 코드 진행, 리듬, 하모니를 기반으로 인간이 작곡을 완성하는 경우가 많아지고 있다. 이러한 형태는 결국 인간과 AI가 협업하여 창작하는 새로운 예술 패러다임을 보여준다.

따라서 질문은 더 이상 “AI의 창작물도 예술인가?”가 아니라, “AI와 함께 만드는 예술은 무엇을 더 가능하게 하는가?”로 바뀌어야 한다. 인간은 여전히 방향성과 맥락, 해석과 감성의 주체이며, AI는 방대한 가능성과 빠른 구현 능력으로 이를 지원하는 미적 조력자로 기능한다. 이것이 바로 미래 예술의 실험실이자 새로운 무대다.

결국 AI가 예술을 ‘대체’하는 것이 아니라, 예술의 ‘방식’을 혁신하는 도구로 기능한다면, 우리는 AI 창작물도 예술로 충분히 인정할 수 있다. 예술은 인간만의 것이 아닌, 인간과 기술이 함께 진화시켜나가는 문화적 표현이기 때문이다.